Le photographe Gurpreet Chawla a capté les installations architecturales de l’édition de cette année du Burning Man dans le Nevada, allant d’une Tour Eiffel cassée à une chapelle construite à partir de panneaux en nylon.
Des équipes d’artistes, d’architectes et de bénévoles ont installé des installations créatives pour le rassemblement annuel dans le désert alcalin du Nevada.
Les installations et pavillons doivent être assez légers, car ils doivent être expédiés sur place et entièrement démantelés dans le cadre de la politique “leave-no-trace” du Burning Man.
Beaucoup des équipes de bénévoles qui bâtissent les structures optent pour le bois, et plusieurs installations sont brûlées à la fin du festival, aux côtés du temple annuel et de l’effigie — ou du pavillon Man Base — les seules structures organisées directement par l’équipe Burning Man.
Burning Man suscite des émotions intenses chez les participants. Pour le concepteur du pavillon Man Base de cette année, Alexander Rose, cela a marqué son 30e voyage à Black Rock City, la cité éphémère du festival.
Rose a déclaré qu’il concevait le pavillon en même temps que sa mère était sur son lit de mort.
« Ma mère a appris que nous avions remporté le prix de design quelques jours seulement avant son décès, ce qui fait de ce design l’un des projets les plus importants sur lesquels j’ai jamais travaillé. »
Outre l’aspect émotionnel de l’événement, le climat dans le désert — que les habitants du festival appellent la Playa — peut être impitoyable. Cette année, des vents violents et des inquiétudes concernant les incendies locaux ont ajouté une dimension supplémentaire de complexité pour les constructeurs.
Lisez ci-dessous pour découvrir 10 installations du Burning Man 2026 photographiées par Chawla.
Cryptomeria par Alexander Rose
Le pavillon Man Base de cette année s’inspire de l’arbre Jōmon Sugi du Japon, dont l’âge et le sexe restent cachés, ce qui a donné au pavillon son nom énigmatique.
Le résultat est une plateforme en forme d’arbre avec un escalier à double hélice en son cœur qui permet aux festivaliers de monter sur la structure. Le revêtement extérieur est en bois recyclé et la structure elle-même est réalisée en douglas.
« Je voulais utiliser des matériaux simples répétés dans des assemblages organiques pour lui donner une sensation naturelle et créer des recoins d’assise parmi les racines », a déclaré Rose.
Temple de la Lune par Moonlight Collective
Dirigé par James Gwertzman, entrepreneur technologique devenu artiste, le Moonlight Collective a conçu le temple annuel en s’inspirant du cactus désert Queen of the Night.
Vue d’en haut, les pétales de la fleur du cactus rare rayonnent à partir d’une structure centrale constituée de lattes de bois. Le cœur présente un pistil qui s’élève par le dessus de la structure jusqu’à son point le plus haut et se termine par des lumières.
Des pétales plus petits étaient disposés autour de la structure pour offrir de l’ombre et des places assises. Tout au long de la semaine, les visiteurs accrochaient des objets sur les murs à lattes du temple.
On High par Jessy Cusack
Cusack a utilisé du bois disposé en panneaux simples pour créer « une grande tribune inattendue » dans le désert.
Des équerres en acier l’assemblent et de l’acrylique givré donne une lueur aux portes la nuit. Au sommet se trouve un microphone.
« Pour ceux qui avaient quelque chose à dire du sommet d’une montagne, nous avons apporté la montagne, puis nous l’avons brûlée », a déclaré Cusack.
Eiffela Broken Dream par Philippe Maindron
L’artiste français Philippe Maindron a transporté une maquette à grande échelle de la Tour Eiffel dans le désert, la tour cassée en deux et couchée sur le côté.
Le haut et le bas de la structure dépassent du désert à un angle, avec des lumières et un lance-flamme attachés.
« J’ai choisi de fracturer la Tour Eiffel en deux pour explorer la tension entre l’effondrement et l’espoir », a déclaré Maindron. « La partie inférieure évoque les restes d’une civilisation perdue, tandis que la partie supérieure qui s’élève vers le ciel devient un symbole de résilience et de la possibilité d’un avenir plus lumineux. »
Apotheneum par Anthony Fieldman & Mark Slee
Un « instrument multi-sensoriel visuel, sonore et haptique, à l’échelle d’un bâtiment », Apotheneum a été conçu avec un cube extérieur et une cavité intérieure faite de guirlandes lumineuses.
Au total, l’installation comportait 26 560 lumières avec des systèmes intégrés de son.
Le projet a fait ses débuts au Burning Man 2025 avant de revenir cette année et a depuis été présenté dans d’autres événements, tels que Art Basel Miami.
The Gothic Folly par Alex Noerpel et Hunter Keene
Cette structure de 60 pieds de haut présente les contours d’une cathédrale, avec des vitraux et des flèches.
Son squelette métallique a été fabriqué à New York et transporté dans le désert, où des éclairages ont été intégrés pour créer un spectacle nocturne illuminé.
Noerpel et Keene ont expliqué que le projet visait à jouer sur « la relation entre le poids et la présence ».
Septima Stella Lux par Dave Ray et Michael Jacob
Des poutres lamellées-collées en bois ont été assemblées avec des joints métalliques sur mesure pour cette installation géométrique sur la Playa.
Elle présente quatre étoiles à sept pointes qui s’emboîtent et a été conçue comme une approche minimaliste de l’art à Burning Man, selon le constructeur Michael Jacob.
L’équipe cherche actuellement un lieu permanent pour l’installation.
Chiton Chapel par D’Milo Hallerberg
L’ingénieur et artiste D’Milo Hallerberg a utilisé des cadres en acier de 27 pieds pour créer deux coquilles opposées au cœur du désert.
Les cadres ont été recouverts de nylon blanc et les constructeurs ont ajouté des sièges autour de la base. L’espace, qui rappelle un mollusque, était utilisé pour des cérémonies.
The Point Being par Jordan Tenney
Cette flèche en bois de 30 pieds de haut présente des panneaux graphiques CNC gravés et intégrés dans des LED.
Des équerres en acier ont été utilisées pour maintenir la structure verticale face aux vents de la région.
« Sa forme rappelle délibérément les traditions architecturales utilisées pour poser des questions sur le sens, la transcendance et la place de l’humanité dans le cosmos — obélisques, temples et autres structures monumentales », a déclaré Tenney.
Above and Below par Sean Orlando
Orlando a collaboré avec Five Ton Crane Arts Collective pour suspendre une cabine victorienne à 40 pieds au-dessus du sol, au sommet d’une sculpture ressemblant à un arbre.
Le mystérieux arbre métallique avait également une base avec un escalier intérieur permettant aux festivaliers d’atteindre le sommet.
La photographie est de Gurpreet Chawla.
Élise Laurent
Je suis journaliste spécialisée dans la décoration et le design intérieur, avec un intérêt particulier pour les tendances qui transforment nos espaces de vie. À travers mes articles, j’explore les projets d’architecture intérieure, les créateurs et les idées qui façonnent l’habitat contemporain. Sur Intérieurs.fr, je m’attache à décrypter les évolutions du design et à partager des inspirations venues de France et d’ailleurs.