Le savoir-faire est devenu tendance, alors que le design industriel a perdu une partie de son éclat. Qu’est-ce qui anime cette évolution ? Et ces domaines sont-ils vraiment si différents l’un de l’autre ?
« Fait main », « héritage », « sur mesure » – la plupart d’entre nous ont fini par s’habituer à lire ces mots. Tout comme l’industrie agro-alimentaire avant elle, l’univers du design a intégré le vocabulaire du métier d’art – celui de l’« local », de l’« artisanat » et de l’« authentique ».
Au London Design Festival (LDF) cette année, les expositions consacrées au savoir-faire abondent.
Elles vont de Reviving Craft à Somerset House, une exposition rassemblant plus de 60 artisans originaires de Chine et organisée par Yang Lan, entrepreneure des médias basée à Pékin, afin de « créer un dialogue entre l’artisanat traditionnel et le design contemporain », à Wood for the Trees au Tab Centre à Shoreditch, une « forêt abstraite » destinée à réfléchir à la foresterie responsable, conçue par Mitre & Mondays, basés à Londres, pour l’American Hardwood Export Council.
De Milan à Copenhague, c’est le même récit: autrefois, les objets exposés privilégiaient une modernité fièrement minimaliste, épurée et uniforme; aujourd’hui, ils affichent aussi souvent texture et imperfections.
Le développement du design de collection fait aussi partie de ce même mouvement – le désir d’objets uniques qui répondent à l’imprévisibilité inhérente à la main humaine.
Pavel Klimczak, fondateur du détaillant de design Monologue London, a remarqué ce désir dans les questions que ses clients lui posent désormais.
« Les gens s’interrogent de plus en plus sur les histoires derrière les objets, confia-t-il. » Ils viennent souvent pour le design, mais la conversation devient rapidement: où l’objet a-t-il été fabriqué, qui l’a fabriqué, comment cela a-t-il été fait, pourquoi a-t-il été conçu de cette manière et quel est le matériau utilisé. »
Le savoir-faire était autrefois perçu comme terne. Désormais, il est devenu branché. Et le design industriel – emblème du XXe siècle de production de masse démocratisée, d’innovation fonctionnelle et de beauté accessible – a, de manière juste ou injuste, perdu une partie de son éclat.
Quelles tensions sociales et économiques sous-tendent ce glissement? Et, au-delà de l’apparence, la frontière entre « artisanat » et « design » porte-t-elle réellement une signification pertinente à long terme ?
« C’est fondé sur des bases solides »
L’intérêt croissant pour l’artisanat est souvent attribué à notre condition moderne: interactions quotidiennes sans friction et éphémères, ces pièces froides de technologie que nous manipulons sans cesse, le caractère trompeur du contenu numérique, et l’uniformité stylistique imposée par la production de masse à l’échelle mondiale et la connectivité en ligne.
Dans ce cadre, il n’est pas surprenant que nous soyons attirés par des objets uniques qui portent les traces d’une intention humaine, fabriqués avec des matériaux que nous reconnaissons et liés à une époque, une personne et un lieu précis.
Un intérêt accru pour le local, pour l’héritage et pour le vernaculaire s’inscrit aussi dans le climat politique actuel: le retour simultané, à l’échelle mondiale, de valeurs traditionnelles et un accent croissant sur des cultures longtemps marginalisées par la modernisation et la globalisation.
Guy Salter, fondateur de London Craft Week, est convaincu que notre intérêt renouvelé pour l’artisanat est là pour durer.
« Ça ne va pas disparaître de sitôt, car il s’appuie sur des bases solides – bien plus que sur la simple mode, a-t-il déclaré. Nous redevenons conscients de ce que nos ancêtres savaient sur la qualité du travail depuis des centaines d’années. »
« Et dès que je voyage, je croise des personnes qui ne sont pas attirées par le brillant des marques de luxe, mais qui prennent plaisir à soutenir l’artisanat dans une optique communautaire. »
nourri par cet intérêt, London Craft Week (vu ci-dessus) attire désormais environ 250 000 visiteurs chaque année – contre environ 35 000 il y a dix ans – ce qui se compare favorablement à l’affluence du LDF, qui atteignait 475 000 en 2025.
Cette année, pour renforcer sa crédibilité, le créateur de mode Jonathan Anderson – qui avait mis sur pied le Loewe Craft Prize de 50 000 € lorsqu’il était directeur créatif de la maison espagnole – est venu soutenir l’événement en tant que sponsor via sa marque JW Anderson.
Alberto Merlo Carrero, responsable des programmes de la Loewe Foundation, affirme que la création du prix en 2016 a été une reconnaissance de l’essor du savoir-faire contemporain.
« Des œuvres extraordinaires existaient déjà partout dans le monde, mais le champ restait relativement fragmenté et souvent sous-représenté dans le cadre de la conversation culturelle plus large, » a-t-il déclaré.
Les marques de mode, d’Hermès à Gucci, montrent désormais plus fréquemment le savoir-faire dans leur présence croissante lors des semaines de design.
« Nous sommes noyés sous les produits »
Pour développer un écosystème artisanal sain, il faut un engagement à long terme, qui, dans un sens plus large, n’a pas toujours été évident.
Salter explique que l’expansion et la modernisation du secteur du luxe ces dernières années ont bouleversé un modèle économique qui, il y a un siècle, reposait principalement sur « un petit nombre de clients qui achetaient ou commandaient auprès de magasins de luxe souvent familiaux ».
Dans cette logique de viser un public de masse, l’argent a été canalisé vers le marketing via des flagships et de la publicité, au détriment du savoir-faire – par exemple, l’artisan en interne remplacé par une production externalisée.
« Aujourd’hui, un certain nombre de marques ont pris conscience de ce qui avait été perdu pendant cette période, surtout lors du récent ralentissement, et essaient de le réintégrer, » a-t-il déclaré.
Dans ce contexte, le savoir-faire est devenu un marqueur de qualité et de fiabilité.
Il ajoute que, si dans un premier temps ces nouveaux « clients aspirants » prenaient les marques au mot, les acheteurs d’aujourd’hui sont plus exigeants et font davantage confiance à des entreprises ayant fait leurs preuves en restant fidèles à leurs valeurs.
En revanche, le design industriel traverse une « situation délicate » alors que les gens remettent de plus en plus en question l’éthique et la finalité de la production de masse, selon la designer londonienne Lara Bohinc, qui travaille avec des marques depuis des décennies et s’est récemment lancée dans le travail à partir d’argile.
« Nous sommes noyés sous les produits. Il y a trop de marques, trop de chaises, trop de lits, » a-t-elle déclaré.
Par ailleurs, un design moins cher est souvent associé à de mauvaises pratiques de travail, à des procédés non durables ou à des matériaux toxiques – des facteurs que l’on ignore souvent parce que ces produits restent les plus accessibles pour la plupart des gens.
Qualifier quelque chose de « craft » et en exiger un prix élevé ne modifie pas nécessairement l’éthique qui se cache derrière un objet, toutefois.
Entre 2023 et 2026, des marques de mode de luxe comme Armani, Dior et Valentino ont fait l’objet d’un contrôle judiciaire en Italie après des enquêtes révélant qu’elles avaient délocalisé leur production vers des ateliers illégaux où des migrants non documentés travaillaient dans des conditions d’exploitation sur des produits supposément artisanaux.
« Juste parce que c’est fait à la main ne signifie pas que c’est angélique, » souligne Bohinc.
« Peu gagnent de l’argent uniquement en vendant les objets qu’ils ont fabriqués »
Andu Masebo, designer londoniens qui crée des objets fonctionnels et des pièces d’art en bois et métal, affirme n’avoir jamais entretenu une « notion romantique » du savoir-faire – il s’est simplement mis à concevoir ses pièces parce qu’il était difficile de trouver une entreprise prête à les produire pour lui.
Il souligne que l’essor du craft n’est pas seulement une histoire de ce que veulent les consommateurs, mais aussi de ce que l’industrie produit.
Pour les designers, par exemple, la transition vers le fait main est souvent motivée par un marché du travail fragile où les marques privilégient les noms établis plutôt que d’investir dans de nouvelles créations, laissant les jeunes designers avec peu d’options et les poussant à produire eux-mêmes des pièces.
« J’ai l’impression qu’on pourrait avoir une conversation plus positive sur la manière de créer des conditions qui permettent aux personnes de travailler dans le domaine du design et pas seulement dans l’espace des galeries, et sur un effort concerté de l’industrie pour tendre la main aux talents émergents, non pas comme un outil marketing, mais comme un moyen de soutenir le futur vivier du design, » a-t-il déclaré.
Bien que le craft soit à la mode, Masebo a constaté que le fait de « fabriquer » en soi n’offre pas nécessairement un moyen de subsistance plus durable que le travail pour une entreprise de design.
« Peu de mes pairs gagnent leur vie uniquement en vendant les objets et les meubles qu’ils ont créés, » a-t-il affirmé.
Au lieu de cela, ils l’utilisent pour « exprimer la version la plus aboutie de leur pratique », tout en générant un revenu en se diffusant dans une série d’autres sources liées et non liées, des réseaux sociaux à des emplois à temps partiel en passant par des commandes spéciales.
Comme le soulignent Bohinc et Masebo, les catégories telles que l’artisanat et le design peuvent être utiles d’un point de vue marketing, mais les dynamiques et les défis sous-jacents — en matière de qualité, de travail, d’emploi et d’impact environnemental — sont similaires et le secteur ne peut pas s’en sortir simplement en modifiant son vocabulaire sur le travail.
Ces pratiques extractives figurent parmi les sujets que Zoë Chinonso Ene, designer nigéro-américaine, cherche à adresser à travers ses recherches et son studio expérimental Homenkà.
En réalité, selon elle, l’artisanat et le design ne constituent pas des catégories mutuellement exclusives, et le choix des termes que nous utilisons révèle des hiérarchies sous-jacentes dans la valeur que nous accordons à différentes cultures de production – souvent fondées sur des indices esthétiques tels que des motifs, des matériaux et des styles caractéristiques.
Par exemple, lorsque je regarde des objets du quotidien issus de la culture Igbo, je vois les décisions qui ont été prises pour créer des typologies d’objets destinés à des usages précis, » explique Ene, qui remet en question pourquoi l’on parle de craft plutôt que de design.
Pour le LDF, Homenkà organise une intervention dans le cadre du Brompton Design District – un salon qui accueillera des soirées de jeu, de repas, de discussion et de mémoire « en compagnie du design du quotidien ».
Son objectif plus large est de soutenir les écosystèmes artisanaux au Nigeria. En envisageant ces écosystèmes, Ene ne se montre pas puriste quant à la séparation entre le fait main et la machine.
« Cela peut signifier des artisans travaillant dans un espace semi-industrialisé où ils font 50 % du travail, et non 100 %, afin d’accélérer la production tout en créant un produit magnifique dont les matériaux sont sourcés localement et en échangeant des compétences », affirme-t-elle.
La designer londonienne Bethan Laura Wood a toujours navigué entre ces deux mondes. Elle se rappelle que pendant ses années d’études « l’artisanat était un mot sale en relation avec le design » – ce qui n’est clairement plus le cas aujourd’hui.
Pour le LDF, elle présente des travaux dans le cadre de Craft x Tech, une exposition du studio de design Tangent qui réunit des artisans de la région de Tōkai au Japon avec des designers internationaux – en son cas, pour créer des lampes suspendues pliées, réalisées avec la société Suzusan, spécialisée dans la teinture Shibori.
Wood souligne que l’intérêt public est comme un pendule – oscillant entre minimalisme et maximalisme, entre production mécanique et fabrication artisanale – même si toutes ces approches continuent d coexister simultanément.
La résurgence réactionnaire de l’artisanat n’est pas une nouveauté : elle rappelle le mouvement Arts & Crafts qui a émergé en réponse à la révolution industrielle, rappelle-t-elle.
Cela n’écarte pas pour autant l’importance de ce qui se passe aujourd’hui: les vagues de mode peuvent laisser derrière elles des changements plus substantiels et significatifs.
« Lorsque l’industrie a commencé à accorder davantage d’attention à la recyclabilité ou au design circulaire, certaines entreprises ne se sont contentées que de flirt avec ces idées pour cocher des cases, mais d’autres l’ont intégré durablement dans leurs systèmes, » explique Wood.
De même, des vidéos magnifiquement produites montrant le processus derrière les objets – tournage du métal, tournage des poteries, fraisage des tours – ne domineront probablement pas éternellement les algorithmes des réseaux sociaux.
Mais ce qui pourrait perdurer, c’est une préoccupation plus profonde parmi nous tous concernant l’origine des choses que nous achetons et une relation entre les créateurs et les designers qui récompense les deux parties équitablement.
Cet article a été rédigé à l’origine dans le cadre de notre magazine Dezeen Dispatch consacré au LDF 2026. Lisez une version en ligne du magazine ici.
Le LDF 2026 se tient à différents endroits de la ville du 12 au 20 septembre. Pour voir le programme, consultez le Dezeen Events Guide.
Cet article How craft conquered design est paru pour la première fois sur Dezeen.
